Le Bauhaus de Weimar, dont le symbole des premières années fut la «cathédrale», lieu par excellence de réunion des arts et des arts appliqués, devait devenir à partir de 1922 le creuset d'aspirations constructives rationnelles qui se cristallisèrent dans ses créations d'esthétique fonctionnelle.
    Les objectifs proposés par cet ouvrage sont non seulement de cerner la réalité historique du Bauhaus pendant les années décisives de son évolution, mais encore d'apporter une contribution à la définition des fondements universels du fonctionnalisme. A la lumière d'une projection idéaliste de la conception hégélienne de l'interrelation des phénomènes d'une époque selon un même «esprit du temps», l'auteur a posé comme hypothèse de travail l'apport originel du Constructivisme (tel qu'il fut propagé par le «Stijl» hollandais, ses premiers protagonistes russes et hongrois) à l'esthétique que le Bauhaus matérialisa dans ses premières productions de design et d'architecture fonctionnelle.
Cette étude a mis également l'accent sur l'importance des mouvements artistiques antécédents qui éclairent les facettes et le processus d'évolution du Bauhaus : la tradition de l'idéalisme allemand, le mouvement de réforme architecturale et d'art appliqué, le Werkbund et l'Arbeitsrat fur Kunst.
    Un autre point important de cette étude est l'éclairage qu'elle jette sur la rencontre à Weimar de Théo Van Doesburg, fondateur de «De Stijl» et de Walter Gropius, événement historique de première importance, propice à la fixation des nouveaux idéaux artistiques. Les options de la «Nouvelle Plastique», tournées vers le syncrétisme de l'art et de la production par la machine, montraient la voie à une intégration sociale de l'art, par le transfert des principes nés en peinture aux objets de l'environnement et à l'architecture.
     Le Bauhaus est-il né sous le signe de l'utopie, son enseignement peut-il s'adapter à la réalité contemporaine? Telle est la question fondamentale qui surgit au terme de cet ouvrage dédié à l'art constructif, fondé sur la croyance dans l'influence salutaire de modèles artistiques de haute qualité sur le devenir de l'Homme et de la société.

Il s'agit d'un livre en trois volumes qui recoupent la  «Nouvelle Abstraction" à travers un choix de 49 artistes. Il se présente comme un parcours, et une analyse des œuvres de chacun des artistes, étayée par une érudition précise, un important appareil de notes et des biographies consacrées aux œuvres et aux artistes rencontrés.
    L'oeuvre est structurée en 16 sections, comprenant des chapitres isolés (Leon Polk Smith, Alexander Liberman, Ellsworth Kelly, Kenneth Noland, Frank Stella, Jack Youngerman, Robert Irwin), à côté de sections regroupant les artistes que l'auteur inscrit sous une thématique particulière, les grands disparus de la génération de l'Expressionnisme abstrait et de la «peinture de champ», les premiers représentants du classicisme abstrait et du hard-edge en Californie du Sud (John McLaughlin, Lorser Feitelson, Frederick Hammersley, Karl Benjamin), quelques représentants de la «Nouvelle Abstraction» (titre emprunté au catalogue de l'exposition Toward a New Abstraction, organisée par Ben Heller en mai-septembre 1963 au Jewish Museum de New York), tels que Paul Brach, Raymond Parker, Al Held, quatre représentants de l'«Ecole de la couleur de Washington» (Gene Davis, Thomas Downing, Howard Mehring, Paul Reed), «The shaped canvas» (Will Insley, Charles Hinman, Sven Lukin, Neil Williams, Richard Smith, Larry Bell), l'abstraction «modulaire» et la «peinture de silence» (Robert Mangold, Agnes Martin, Robert Ryman, David Novros, Paul Mogensen), la «Nouvelle Picturalité» (Jules Olitski, Larry Poons, Walter Darby Bannard), deux structuristes californiens (Tony DeLap, John McCracken), les sculpteurs et les peintres de «Park Place» (Mark di Suvero, Peter Forakis, Robert Grosvenor, Tony Magar, Forrest Myers, Edwin Ruda, Leo Valledor, Dean Fleming, Tamara Melcher).
    Ces tendances et thématiques se centrent sur l'esthétique structurelle (l'amour des structures) qui peut aussi se comprendre comme une importante charnière entre l'Expressionnisme abstrait et l'art minimal.
    Comme y invité à méditer l'introduction de l'ouvrage, la «Nouvelle Abstraction» doit se comprendre non comme un mouvement [...] mais une sorte de rencontre dans le temps des tentatives structurelles qui s'aimantent plus qu'elles ne se laissent regrouper. Ce qu'il est convenu d'appeler ici la Nouvelle Abstraction, outre ses origines parfois complexes, croise dans le temps d'autres élans et d'autres courants, notamment le neo-dadaïsme, les débuts de l'art minimal et le process art.
    Cette édition est un ouvrage indispensable de référence, tant pour les passionnés d'art contemporain, que les milieux d'enseignement, les musées et les collectionneurs.
    Il alimente une réflexion et une meilleure connaissance de l'esthétique de l'art moderniste dans ses formes les plus pures et dépouillées.

Parmi les nombreux courants de l'art contemporain, l'Art Minimal apparaît aux Etats-Unis au début des années soixante.
Si ses représentants ne se réclament pas d'un véritable mouvement, les critiques ont toutefois élaborés des concepts qui ont contribué à regrouper leurs démarches individuelles. S'inscrivant dans la lignée de l'avant-garde new-yorkaise qui a cimenté une oeuvre picturale structurelle et dépouillée, le minimalisme s'enracine dans la tradition léguée par Malevitch et Duchamp et rejette toute dimension subjective à la façon de Robbe-Grillet. Certains de ses protagonistes en appellent aussi au Constructivisme russe ainsi qu'au rôle joué par Josef Albers dans la problématique des structures tridimensionnelles.
L'oeuvre nouvelle s'inscrit dans une dimension exploratoire : les matériaux foisonnent, le geste se fait libérateur et imprègne les créations qui jouent avec les éléments permutants et sériels ou avec la couleur. Les structures sont souvent puissantes, toujours linéaires ; elles sont mises en scène de façon à interagir avec l'environnement et interpeller le spectateur.
    Cet ouvrage est né d'une longue fréquentation intellectuelle des avant-gardes de l'art américain qui a fourni à l'auteur de multiples occasions de rencontrer ses représentants. Elle a suivi intensément leurs parcours artistiques et a rassemblé au fil du temps une documentation fournie et détaillée.
Grâce à son regard subtil et connaisseur, elle nous fait pénétrer l'oeuvre de neuf protagonistes de l'Art Minimal en suivant fidèlement leur cheminement tant esthétique qu'éthique.
Sa plume précise et évocatrice sonde la quête patiente de Morris, la recherche de la pureté formelle de Judd, l'infinie variation des formes fondamentales chez LeWitt ; elle explore la vue poétique et méditative d'Andre, les oeuvres audacieuses jouant avec la lumière de Flavin, l'approche géométrique et totalisante de Smith et elle nous révèle l'individualité du geste de Bladen, la sobriété et l'insolite chez Grosvenor, le développement chez Smithson de la dialectique esprit-matière.
Ces artistes ont cherché inlassablement à créer une expression de l'essentialité, déclinable à l'extrême.
C'est dans cette création individuelle et essentielle — dont le secret et la poétique sont comme suspendus dans le temps — qu'est le fondement de l'Art Minimal.